Princesse Mononoké : 22 ans d’éco-classique de Miyazaki
Ashitaka et San, personnages principaux de « Princess Mononoke » (1997)
Bien que Spirited Away (2001) ait donné à l’animateur japonais un Oscar Miyazaki, il y a un précédent film qui marquera l’avant et l’après de sa carrière, et l’avenir du Studio Ghibli. On parle de Princesse Mononoké (1997), qui à 21 ans est toujours l’un des films les plus influents de l’animation japonaise.
Du moins, c’est ce que disait le box-office à l’époque : Grand succès au Japon Le chiffre d’affaires d’environ 102 millions d’euros a même dépassé le fort superproduction Américains (bien que pour être précis, le Titanic arriverait peu de temps après, le tirant vers le bas de sa position d’origine). Ghost a également pu traverser les frontières des États-Unis, devenant ainsi le premier film Ghibli largement distribué. Apparemment, le box-office était bien en dessous de son pays d’origine – environ 3 millions de dollars – peut-être en raison de différences culturelles. C’est compréhensible : l’une des principales raisons pour lesquelles les films de Miyazaki sont si populaires au Japon est la fascination pour sa propre mythologie et son folklore. Cette combinaison de traditions culturelles, de messages environnementaux forts, d’inclusion de la violence et d’un peu de romance l’amène à son zénith.Un statut qui doit le rester dans vingt ans.
Conte de fée
L’idée d’une histoire de fille élevée par un loup était dans l’esprit de Miyazaki depuis la fin des années 1970, mais ce n’est que 15 ans plus tard qu’il a commencé à agir. Situé dans la période Muromachi (1392-1573), la princesse Mononoke raconte l’histoire du prince Ashitaka, qui est maudit de quitter son village à la recherche de réponses dans une forêt isolée. Là, il trouvera une situation extrêmement hostile : les dieux de la forêt se battent pour protéger sa nature, tandis qu’un groupe dirigé par Mme Ebosch menace de la détruire pour du fer et des armes à feu. Le choc des deux mondes a un protagoniste spécial : une jeune femme, San, qui a vécu avec des loups après avoir été abandonnée par ses parents et se bat avec eux pour la protection de la forêt.Le film dépeint la première tentative de domination de l’homme sur la nature, même si pour Miyazaki, il n’y a pas de méchant dans l’histoire. Son intention a toujours été d’éviter les stéréotypes pour montrer la complexité du moment.
En plus des portraits de cette bataille, nous avons également trouvé des personnages et des rôles de genre rarement vus jusqu’à présent. Dans l’Iron City dirigée par Mme Ebosch, les malades ne sont pas marginalisés, mais font partie de la communauté, qui peine à trouver un moyen de les soigner. De plus, les femmes travaillent le plus dur et ont la même voix (ou plus) que les hommes. Comme le raconte le film, ce sont toutes d’anciennes prostituées qui, grâce à leurs nouveaux patrons, sont devenues des femmes libérées. L’engagement de Miyazaki envers les personnages féminins forts n’est pas un mystèreet se cache dans toutes ses œuvres.
animation adulte
Le film a reçu de nombreuses critiques pour son utilisation de la violence, qui, bien que non surutilisée dans le film, est considérée comme grossière. Par exemple, dans certaines scènes, nous pouvons voir des sauts de tête et des amputations de bras, ce que de nombreux parents trouvent inacceptable car les yeux de leur enfant ne sont pas entraînés. Pour tous ceux qui veulent faire de ce film une « animation pour adultes », Miyazaki a quelque chose à dire : « Nous devons être aussi honnêtes que possible avec les problèmes que nous traitons. En particulier, ne voyez pas le passé comme une chose intouchable limitée aux musées. Nous devons raconter le monde en fonction de ce que nous ressentons et vivons. Ce n’est pas si grave pour moi car je n’ai pas beaucoup d’années… mais beaucoup de jeunes sont des descendants d’une génération dont les parents les ont vraiment tenus dans leurs bras. Ils sont complètement affaiblis. Cinquante ans après la guerre, nous sommes naïvement revenus à notre point de départNous croyons qu’en évitant les choses désagréables, nous pouvons nous améliorer, et en surmontant la pauvreté, nous deviendrons en bonne santé.Cependant, maintenant nous savons que nous ne pouvons rien faire d’autre que créer un nouveau fléau pour nous-mêmesLe réalisateur complète sa réflexion sur les limites de l’image de l’enfant en assurant que son intention est de labelliser « les imaginaires des enfants » et de comprendre leurs réactions face à ces images.
Qu’il s’agisse d’un film adapté aux mineurs ou non, il envoie un message à toute l’humanité : Il faut aimer la natureCe message a toujours été indissociable du travail de Miyazaki, de « Nausicaa » (1984) à « Ponyo on the Cliff » (2008) en passant par l’iconique « Mon voisin Totoro » (1988). Dans Princess Mononoke, Miyazaki se promène au milieu de la forêt pour nous montrer sa magie, irrémédiablement entachée par des mains humaines dans notre moment présent. Il y a une volonté dans le film de faire réfléchir le public sur le type de relation que nous voulons avoir avec ces forces incontrôlables. Si seulement nous pouvions lâcher prise sur notre possessivité quasi chronique pour vivre en harmonie avec eux.
Le tournant de Ghibli
Non seulement le film a battu des records au box-office, mais il a également dépassé le budget. Sa production est de loin la plus chère du Studio Ghibli, notamment grâce à l’acquisition de nouvelles technologies de création d’infographie. La facture totale était de près de 20 millions de dollars.
Cela ne veut pas dire que pour Miyazaki et son équipe, le numérique est une option pour remplir tout le film. Bien au contraire, le studio a voulu rester fidèle à sa vision de l’animation, tout en profitant de certains des avantages du graphisme généré par ordinateur (CGI). C’est le premier film pour lequel le studio les utilise, mais pas trop : sur les près de 2h15 que dure le film, il n’y a que 15 minutes d’images numériques (dont 10 correspondent à des peintures numériques uniquement). Même ainsi, ces nouvelles technologies marquent un point d’inflexion où les studios adopteront la technologie numérique sans renoncer à leur engagement envers l’animation manuelle traditionnelle.
Vingt ans, ce n’est rien, chante Carlos Gardel. « Princess Mononoke » les a rencontrés en 2017 et était en très bonne formeSon message n’a pas perdu sa validité, son image est devenue la marque de fabrique de l’entreprise et sa qualité n’a pas du tout souffert, malgré les milliers d’avancées que l’industrie a réalisées au cours de ces deux décennies. Il est presque nécessaire de le revisiter aujourd’hui, sans jamais oublier que le monde sur lequel nous marchons et que nous partageons est aussi dynamique que le nôtre.
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Mireia Mullor Les films et séries qu’elle écrit dépassent ses capacités, surtout s’ils lui permettent de parler d’histoires oubliées sur grand écran, des revendications du féminisme, des films du Studio Ghibli et d’Agnès Varda.
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