8 conseils pour améliorer le photoréalisme dans vos rendus
Le photoréalisme est l’un des objectifs ultimes de nombreux artistes CG, et l’un des plus difficiles à atteindre. Cependant, même si vous débutez dans l’infographie 3D, les outils et les technologies de flux de travail d’aujourd’hui peuvent rendre le photoréalisme à portée de main.
Westend61/Getty Images
Voici huit techniques pour vous aider à atteindre vos objectifs :
biseau, biseau, biseau
Oublier de biseauter ou de biseauter un bord est l’une des erreurs les plus courantes des débutants en 3D. Il y a peu d’arêtes vives dans la nature, et même la plupart des objets fabriqués par l’homme ont une légère rondeur où deux surfaces opposées se rencontrent. Les biseaux aident à faire ressortir les détails et à vraiment vendre le réalisme du modèle en faisant en sorte que les bords captent correctement les reflets de la solution d’éclairage.
L’utilisation d’un biseau (ou de l’outil Biseau dans 3ds Max) est l’une des premières choses que vous devez apprendre en tant que modélisateur. Si vous n’êtes pas assez familiarisé avec la 3D pour ne pas savoir comment créer des bords biseautés, vous bénéficierez probablement d’un bon tutoriel d’introduction ou même d’un abonnement à une formation.
Apprendre à utiliser un flux de travail linéaire
Même si les flux de travail linéaires existent depuis des années, cela peut toujours être une idée déroutante et compliquée pour les débutants.
Le besoin d’un flux de travail linéaire se résume essentiellement à ce que votre moniteur affiche des images dans un espace colorimétrique différent (sRGB) de celui produit par le moteur de rendu (linéaire). Pour résoudre ce problème, l’artiste doit prendre les mesures nécessaires pour appliquer la correction gamma au rendu.
Mais le flux de travail linéaire est bien plus qu’une simple correction gamma – il s’agit d’éviter les anciennes techniques et solutions de contournement (dont la plupart sont basées sur des mathématiques obsolètes) et d’évoluer vers une solution d’éclairage véritablement basée sur la physique.
Il y a encore beaucoup à dire sur le flux de travail linéaire, et heureusement, il a été longuement discuté au cours des dernières années. Linear Workflow and Gamma est un site utile pour apprendre la théorie derrière le processus, et des liens vers de nombreuses ressources, donc beaucoup de lecture à faire. Le flux de travail linéaire dans Maya 2012 est un cours de tutorat numérique qui traite spécifiquement du flux de travail linéaire dans Maya 2012.
Utiliser les profils lumineux IES pour l’éclairage photométrique
Avec l’essor des flux de travail linéaires, les artistes 3D (en particulier ceux qui travaillent dans la visualisation architecturale) ont commencé à utiliser des fichiers appelés profils d’éclairage IES pour simuler de manière plus réaliste l’éclairage du monde réel.
Les profils IES ont été créés à l’origine par des fabricants tels que General Electric pour quantifier numériquement les données d’éclairage photométrique. Parce que les profils de lumière IES contiennent des informations photométriques précises sur la forme, la luminosité et l’atténuation de la lumière. Les développeurs 3D ont sauté sur l’occasion d’ajouter le support IES à la plupart des principaux packages 3D.
Pourquoi passer des heures à essayer d’imiter l’éclairage du monde réel alors que vous pouvez utiliser les profils IES et avoir la vraie chose ?
CG Arena a de superbes images pour vous donner une idée de ce à quoi ressemble un profil de lumière IES.
utiliser la profondeur de champ
L’effet de profondeur de champ (arrière-plan flou) est l’un des moyens les plus simples d’ajouter du réalisme à vos rendus, car nous l’associons étroitement à la photographie réelle.
L’utilisation d’une faible profondeur de champ aide à isoler votre sujet, et l’utiliser dans la bonne situation peut améliorer votre composition à pas de géant. Les effets de profondeur peuvent être calculés à partir de votre package 3D au moment du rendu ou appliqués en post-production à l’aide de la passe de profondeur z et du flou de l’objectif dans Photoshop. L’application de l’effet en post-production est de loin le moyen le plus rapide, cependant, le réglage de la profondeur de champ dans votre application principale vous donne plus de contrôle sur l’effet.
ajouter une aberration chromatique
Le nom semble compliqué, mais ajouter une aberration chromatique à vos rendus est probablement la technique la plus simple de cette liste.
L’aberration chromatique se produit dans la photographie du monde réel lorsqu’un objectif ne parvient pas à restituer tous les canaux de couleur au même point de convergence. Ce phénomène se manifeste par une « frange de couleur », où les bords à contraste élevé présentent de subtils contours rouges ou bleus.
Étant donné que l’aberration chromatique ne se produit pas naturellement dans l’éclairage CG, les artistes 3D ont développé des moyens de simuler ce phénomène en décalant les canaux rouges et bleus rendus d’un pixel ou deux dans Photoshop.
L’aberration chromatique peut augmenter le réalisme d’un rendu, mais peut également dégrader l’effet lorsqu’elle est exagérée. N’ayez pas peur d’expérimenter, mais rappelez-vous que la subtilité est votre meilleure amie.
utiliser la carte spéculaire
La plupart des artistes apprennent très tôt à utiliser les cartes spéculaires, mais pour tous ceux qui ne l’ont pas déjà fait, cela vaut vraiment la peine d’être mentionné.
Les cartes spéculaires indiquent à votre moteur de rendu quelles parties de votre modèle doivent être hautement spéculaires (brillantes) et lesquelles doivent être plus diffuses. L’utilisation de cartes spéculaires ajoute du réalisme car avouons-le – la plupart des objets dans la nature ne présentent pas une brillance uniforme, mais lorsque vous désactivez les cartes spéculaires, c’est exactement à quoi ressemblera votre modèle.
même pour les objets Fais Avec une finition relativement uniforme (céramique émaillée, métaux polis), vous devez toujours utiliser un tableau de jauge pour aider à repérer les irrégularités de surface telles que les rayures, les bosses et les bosses.
poubelle
Vous ne verrez pas d' »erreurs parfaites » comme dans les premiers CG, mais pour ceux qui ont besoin d’un rappel : n’ayez pas peur d’ajouter de la saleté et du grain à vos modèles et textures.
La plupart des objets du monde réel ne sont pas propres et immaculés, donc laisser votre modèle de cette façon peut sembler paresseux et va presque certainement à l’encontre de votre quête de photoréalisme. Il ne doit pas seulement s’agir de détails de texture non plus – essayez d’ajouter des fissures et des dommages massifs à certains de vos modèles, surtout si vous travaillez dans un environnement de jeu de style FPS.
Gardez également à l’esprit l’idée d’imperfection lorsque vous remplissez la scène. À moins que vous ne souhaitiez un rendu de type salle d’exposition architectural très élaboré, répartissez naturellement des accessoires dans votre scène pour donner l’impression que l’espace a pris vie.
ajouter une asymétrie
La possibilité d’activer la symétrie lors de la modélisation ou de la sculpture d’un personnage est un grand luxe – cela signifie qu’en tant que modélistes, nous n’avons qu’à faire la moitié du travail et ne pas avoir à nous soucier qu’un œil soit plus gros que l’autre, ou Assurez-vous que les pommettes de l’œil gauche sont correctement alignés (vous savez, ces problèmes embêtants qui affligent les peintres et sculpteurs traditionnels).
Mais quand vient le temps de passer le détail final et de poser le modèle, c’est une bonne idée de désactiver la symétrie et d’ajouter une sorte de variation asymétrique au personnage.
Qu’il s’agisse de poses, de vêtements ou de détails de texture, l’asymétrie rendra vos modèles plus réalistes, et il y a de fortes chances que l’image finale avec laquelle vous vous retrouvez soit plus dynamique et réussie.
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