Quelle est la différence entre l’animation japonaise et l’animation américaine ?
Depuis que l’animation japonaise (également connue sous le nom d’anime) a traversé les continents et est devenue populaire auprès de générations de publics américains, il y a eu un débat pour savoir qui est supérieur, japonais ou américain. Certains animateurs et passionnés d’animation américains ont critiqué le style et la méthode japonais pour être paresseux, tandis que certains passionnés d’animation japonais trouvent le style américain maladroit ou trop comique.
Différences de style d’animation
La différence la plus évidente entre l’apparence de l’animation japonaise et l’animation américaine est la conception des personnages. Les caractéristiques de l’animation japonaise sont les grands yeux distinctifs avec de nombreux reflets réfléchissants et des couleurs détaillées, ainsi que de petits nez et bouches dessinés avec des lignes minimales ; même certains styles qui préfèrent des bouches irréalistes utilisent très peu de lignes pour les peindre. Le style lui-même utilise de nombreux angles et des lignes douces et raffinées. D’autres caractéristiques telles que les cils, les cheveux et les vêtements sont représentées plus en détail. Les couleurs viennent souvent dans plus de variations et d’ombres, avec plus d’accent sur les reflets non contournés et les ombres qui ajoutent de la profondeur.
En revanche, l’animation américaine est soit tombée dans une tentative de réalisme comique, soit dans l’hyperbole, des personnages de dessins animés hilarants aux traits arrondis et très exagérés. Souvent moins de détails, plus d’accent sur l’utilisation de techniques stylistiques pour suggérer des détails d’une manière plus subtile et discrète. Moins d’attention est accordée aux ombres qu’aux blocs de couleur unie, sauf dans les scènes dramatiques où cela est nécessaire.
Alors que l’animation américaine semble manquer de détails de couleur, elle comprend une tonne d’action d’animation brute, dont certaines sont en boucle, mais toujours animées image par image. En revanche, l’anime prend des raccourcis, comme lors de la livraison d’informations clés, ou lors de la représentation de personnages en mouvement rapide, où seule la bouche du personnage et quelques mèches de cheveux bougent, tandis qu’en action rapide, le personnage est figé dans mouvement dans la posture. , un arrière-plan stylisé qui ne nécessite pas beaucoup d’animation. Ils utilisent souvent des plans fixes dramatiques sur des arrière-plans à motifs, accompagnés de quelques émojis émouvants d’un monologue. C’est pourquoi les animateurs américains qualifient parfois l’animation japonaise de « paresseuse ». Les deux styles réutilisent des plans et des séquences, mais cette pratique est un élément stylistique de l’animation japonaise.
Objectifs de caméra et points de vue
L’animation américaine a tendance à utiliser des plans simples, moins concernés par les angles cinématographiques et le drame, et décrivant plus clairement les événements, bien qu’il existe des exceptions à cette règle. L’animation japonaise utilise souvent des angles, des perspectives et des zooms exagérés pour intensifier l’ambiance de la scène et amener l’action à l’extrême.
Différences de contenu
La plus grande différence, cependant, réside dans le contenu et l’audience. Aux États-Unis, les dessins animés et les films ont longtemps été considérés comme un média pour les enfants, et la plupart des animations produites aux États-Unis sont destinées à ce public.
Au Japon, l’anime peut être destiné aux enfants comme aux adultes, et certains anime japonais importés ont surpris certains parents qui trouvaient que l’anime japonais était plus mature. Le contenu adapté aux enfants et aux adultes peut varier d’une culture à l’autre ; ce qui convient à un enfant japonais de 10 ans peut ne pas convenir à un enfant américain de 10 ans.
Une question de goût et de préférence
Mais à part ça, la différence n’est pas si énorme. Les deux tentent de raconter une histoire dans un support animé, en utilisant à la fois des méthodes numériques et traditionnelles. Les deux utilisent l’exagération pour souligner l’émotion dans les mouvements du personnage, ainsi que d’autres techniques telles que l’anticipation, la musique au bon moment, le squash et les étirements pour souligner le drame ou l’humour. Les deux suivent les principes de base de l’animation et exigent un engagement envers le métier.
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