Néstor Almendros : l’Espagnol oscarisé qui a travaillé avec Nouvelle vague, parti prématurément à cause du sida
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30 ans seulement après la mort de l’un des cinéastes espagnols les plus acclamés au monde. votre nom, Nestor Almendros, n’a jamais autant résonné que Penelope Cruz et Javier Bardem, sans doute parce qu’il travaille derrière la caméra (souvent littéralement, puisqu’il est directeur de la photographie et photographe).Mais la vérité est Le trio partage le record du plus grand nombre d’Espagnols nominés aux Oscars avec Alberto Iglesias, quatre chacun.
Néstor Almendros avec Kim Novak et James Coburn aux Oscars de 1979.
Archives de photos de l’ABC
Il est né à Barcelone le 30 octobre 1930, fils de deux enseignants persécutés par le régime franquiste pendant la guerre civile. Son père, Herminio Almendros, s’est exilé à Cuba à la fin de la guerre, tandis que sa mère, María Cuyás Ponsa, et ses trois enfants sont restés en Espagne, risquant la prison et un transfert imposé par le régime à Huelva. Néstor Almendros sera l’un des nombreux artistes et intellectuels que le régime franquiste nous a enlevéscar en 1948 il suit le chemin de son père à Cuba (l’année suivante sa mère Maria et ses deux frères arriveront également à La Havane, où la famille sera réunie).
Premiers pas à Cuba
De retour à Cuba, Almendros, avec ses amis l’écrivain Guillermo Cabrera Infante et le réalisateur Thomas Gutierrez Alia, fonde le premier ciné-club de l’histoire du pays. . (Il a fini par réaliser des films essentiels à la cinématographie cubaine, tels que « Survivor », « Freiser Chocolate » et « Guantana Mela ». Ils ont également lancé les premières archives du cinéma cubain. En même temps, le natif de Barcelone a écrit critiques de films dans de nombreuses publications et a conclu une année d’études de philosophie et de littérature à l’université.
Son amour du cinéma l’a amené à étudier le cinéma à New York et plus tard au Film Experiment Center à Rome. Il réalise plusieurs courts métrages décrivant la révolution communiste menée par Fidel Castro.Mais les actions de Castro, déjà au pouvoir, l’ont désenchanté de la cause communiste, et La censure de deux de ses courts métrages l’a amené à s’installer à Paris lors de sa deuxième évasion de la répression.
Chiffres clés de la Nouvelle vague
Le choix de la France comme destination n’est pas un hasard : son cinéma préféré y est produit. Almendros est obsédé par des films comme « The Four Hundred Strikes »En fait, son court-métrage « Gente en la playa » (censuré à Cuba avec « La tumba francaise ») est considéré par certains comme la version latine du « vrai cinéma » qui se déroule dans la nouvelle période obscure.
Ses débuts dans la capitale française n’ont pas été faciles. Il fait un peu de tout, enseignant l’espagnol tout en se faufilant dans chaque tournage qu’il peut en tant qu’observateur silencieux. Une rencontre fortuite en 1964 avec Eric Homer et Barbet Shored, qu’il vénère, marque son entrée dans le cinéma français.Il se déroule dans un enregistrement du film « Paris vu par… » produit par Schoreder, dans lequel Homer réalise l’un des six segments. Le directeur de la photographie s’est brouillé avec Rohmer et a quitté le plateau. Almendros a proposé de le remplacer gratuitement, affirmant qu’il était vidéaste. Il a si bien fait un travail que Rohmer trouvera sur ce volontaire un caméraman qui travaillera sur tous ses films entre 1966 et 1976, de The Collector (premier long métrage d’Almendros) pour commencer, à « Mi noche con Maud », » Claire’s Knee » et « Ô marquise ».
Toujours de « Le dernier métro ».
Cinémathèque française
Au cours de ces années, il devient un collaborateur fréquent d’autres réalisateurs de Nouvelle vague. L’un d’eux était François Truffaut, avec qui il tournera « Petit sauvage », « Maison conjugale », « Deux femmes anglaises et l’amour », « Le journal intime d’Adela H », « L’amant d’amour », « La chambre verte « , « Vivamente el domingo » et « El último metro », pour lesquels il recevra un César. Almendros et Truffaut sont de bons amis et collègues, unis par leur nature humanitaire commune. Le réalisateur français l’a décrit comme « l’un des plus grands directeurs de la photographie au monde ».
Engagé pour la Lumière et la Vérité
Il n’est pas le seul à le dire. Le critique du New York Times Vincent Camby est d’accord, plaçant Nestor Almendros sur le podium des meilleurs directeurs de la photographie du monde pour sa relation avec Truffaut avec Rohmer (avec Sven Seakvist, directeur de la photographie sur de nombreux films d’Ingmar Bergman).
« La plupart des directeurs de la photographie sont des techniciens ou des menteurs », a condamné Almendros dans une interview que Camby a faite pour le journal de New York. « Quand j’ai commencé à travailler, je me suis rendu compte que mon travail consistait principalement à ‘enchanter’ le décor, c’est-à-dire à enlever tous les faux éclairages que les éclairagistes installaient dans les théâtres traditionnels. Ils étaient dépassés. Ils croyaient en une très grande forme de photographie, le visage ne doit jamais être dans l’ombre, il doit toujours y avoir beaucoup de contre-jour et la scène entière doit être exempte d’ombres. »
Parmi ces déclarations, Néstor Almendros, un cinéaste dédié à la lumière et à la vérité (au cinéma, c’est synonyme)Cet engagement marquera son illustre carrière du début jusqu’à sa mort prématurée. Dans son premier film, The Collector de Rohmer, il a dû lutter pour conserver la teinte orange du crépuscule. Les techniciens du laboratoire voulaient corriger les couleurs et éliminer ces tons chauds qui étaient moins courants à l’époque. « C’était impossible de le convaincre, alors j’ai dû devenir autoritaire », se souvient-il dans son autobiographie, « Days of the Camera ». « Après le succès du film, les choses ont changé, puis ces tons chauds ont commencé à s’imposer. L’un des problèmes des cinéastes qui débutaient était qu’ils devaient lutter avec les technologues, qui rejetaient toujours l’innovation esthétique et suivaient aveuglément ce que a été écrit sur les livres. règle ».
Il défend obstinément l’importance de l’expérimentation et de l’intuition (comment ne se lancerait-il pas dans un nouveau film français), et il prône de connaître les règles pour ne pas toujours les suivre. Il l’explique ainsi dans son autobiographie : « Depuis la Renaissance, il y a eu de nombreux traités sur les règles de composition. Le directeur de la photographie doit d’abord les comprendre puis les oublier, ou du moins ne pas y penser consciemment tout le temps, car il est possible de le faire détruit tout naturel à ses récits cinématographiques. »
‘Days in Heaven’, Hollywood et Oscar Days
C’est pourquoi il était si bien marié à Terrence Malik, le premier cinéaste hollywoodien à travailler avec lui. Le réalisateur de « L’Arbre de vie » a voulu inclure Néstor Almendros dans son deuxième film « Días del cielo » car il admirait tellement son travail, notamment ce qu’il a fait avec Truffaut dans « Elpetit Salvaje ». « J’ai fait Little Savage en film couleur. Je ne l’ai pas éclairé en noir et blanc. Avant que ça ne se complique vraiment, mon inspiration était le muet : Feuillad, Griffith, le premier film », a-t-il expliqué dans une interview accordée au Film Review Magazine du Lincoln Center. C’est ce que Malik recherchait : transporter des films au Texas au début du XXe siècle, lorsque l’utilisation de l’électricité en était à ses balbutiements.
Toujours de « Days of Heaven ».
festival du film de Cannes
Almendros est parfait pour « Días del cielo », qui est considéré comme l’un des films les mieux tournés de l’histoire du cinéma, car il échappe toujours à la finesse et au faste, échappe à la finesse (optique et lumière). Dans son autobiographie, il l’explique simplement : « En matière d’éclairage, l’un de mes principes de base est que la source lumineuse doit être raisonnable. Je crois que les choses pratiques sont belles. J’essaie de m’assurer que mon éclairage est logique, pas esthétique. «
Malik et Almendros travaillent de manière très peu orthodoxe dans ce film, faisant chier les techniciens, et c’est une cause éternelle de friction pour le natif de Barcelone. Ils étaient éclairés à la lumière naturelle, à l’aide de réflecteurs et de feu (tellement de feu qu’il y avait une panique occasionnelle). En décrivant une époque où la lumière électrique et artificielle se faisait rare, ils ont voulu éviter ce qui se passe dans de nombreux films : des éclairages excessifs et incongrus dans des scènes où les personnages sont supposés être éclairés par des bougies ou des feux de camp.
Ils ont été tournés lors du fameux coucher de soleil « Magic Hour » (dont Chloé Zhao s’est très bien servi récemment dans « Nomads »), qui a demandé beaucoup de temps d’enregistrement limité et a forcé tous les détails à être très serrés afin de pouvoir saisir le le plus de cette fourchette. « Au lieu de reconstruire la lumière, on attend que la bonne lumière naturelle apparaisse au bon moment »Almendros a expliqué.
Cette obsession de la lumière naturelle n’est pas seulement due à une fascination artistique pour le réalisme. « Les gens oublient que les acteurs et les techniciens sont censés être à l’aise. Si un acteur doit se mettre dans l’ambiance, et en plus, il a cent lumières qui brillent sur lui, et ça chauffe… c’est presque comme une enquête policière, » a-t-il argumenté. En plus d’être minutieux et engageant, c’est un travailleur empathique.
Almendros n’a pas terminé Días del cielo parce qu’il avait promis à Truffaut d’enregistrer El lover del amor. « J’ai une responsabilité et une gratitude envers Truffaut et Rohmer, donc je ne peux pas y aller », expliquera-t-il dans l’interview. L’amitié et la confiance l’ont amené à choisir Haskell Wexler pour le remplacer. Lorsqu’il restait une semaine à Almendros, il a rejoint le tournage et a suivi son style et sa direction en tant que directeur de la photographie.
Son travail avec Malik lui a valu sa première nomination aux Oscars, et sa seule. Il a admis plus tard que Days in Heaven était un film qui a marqué sa carrière et son style. « Parce que Terry était prêt à traverser tant de choses, cela m’a fait aller plus loin et maintenant j’ai plus confiance. Le film a été une leçon quand je suis retourné en France pour filmer Lover of Love, Green Room et Madame Rosa[de[de[by[de
